Miradas - Zeitschrift für Kunst- und Kulturgeschichte der Amérikas und der iberischen Halbinsel
Miradas ist eine jährlich erscheinende wissenschaftliche, peer-review-geprüfte Open-Access-Zeitschrift, die als Plattform für Themen der Kunstgeschichte der Américas dienen sowie den wissenschaftlichen Austausch zwischen deutschsprachigen, hispanischen und lusitanischen Kunst- und Kulturhistoriker*innen fördern soll. Sie ist bewusst auf Mehrsprachigkeit (Deutsch, Englisch, Spanisch, Portugiesisch) angelegt, um einerseits den unterschiedlichen Wissenschaftstraditionen Rechnung zu tragen und andererseits eine gegenseitige Rezeption zu ermöglichen. Miradas (dt. Blicke) lädt dazu ein, den Blick auf die Kunst- und Kulturgeschichte der iberischen Halbinsel und der Américas zu richten, diese aus unterschiedlichen Perspektiven zu betrachten und zu kontextualisieren. Besonders willkommen sind Artikel, die auch transkulturelle Aspekte der historisch wie zeitgenössisch global vernetzten Regionen thematisieren. In diesem Sinne will Miradas auch dazu anregen, aktuelle theoretische Positionen der Postcolonial und Decolonial Studies für die Künste der Regionen der Iberischen Halbinsel und der Américas zu diskutieren. Die verschiedenen Rubriken der Zeitschrift erlauben, Neues vorzustellen und zu diskutieren, sowie Bekanntes ins Gedächtnis zu rufen. Nicht zuletzt soll Miradas der iberischen und ibero-amerikanischen Kunstgeschichte am Institut für Europäische Kunstgeschichte der Universität Heidelberg Sichtbarkeit verleihen, auf deren Initiative sie herausgegeben wird, unter redaktioneller Mitarbeit von Kunsthistoriker*innen aus Mexiko, Spanien und Portugal.
INTRODUCCIÓN La experiencia humana ante imágenes, objetos y espacios
Copyright (c) 2026 Sara Carreño, Alicia Miguélez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
FUENTE Madre Soror Maria do Baptista – Livro de Fundação do Mosteiro do Salvador da Cidade de Lisboa e de alguns casos dignos de memória, que nelle acontecerão (1618)
Copyright (c) 2026 Joana Lages Gonçalves https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY “With Deep Affection and Devotion”: Mechanisms of Implantation and Devotional Experiences in the Transfer of Corpisanti Between Rome and New Spain (17th–19th Centuries)
This paper examines the transfer, reception, and devotional development of a selection of Roman catacomb martyr relics (corpisanti) donated to New Spain (now Mexico) between the 17th and 19th centuries: St. Pontian in Mexico City (ca. 1603), St. Veneranda in Aguascalientes (1786), St. Innocentia in Guadalajara (1785), and St. Theodora in Xalapa (1792). Drawing on documentary evidence from Roman archives regarding the requests and donation processes, as well as reports from New Spain’s printed media—such as gazettes, devotional pamphlets, and novenas—this paper explores the motivations of the benefactors and the spiritual needs that drove these acquisitions. Additionally, it analyzes the mechanisms of devotional implantation, the social dynamics surrounding the relics’ arrival, and the factors that influenced their enduring veneration, decline, or neglect.
Copyright (c) 2026 Montserrat Andrea Báez Hernández https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
“Con crecido afecto y devoción”. Mecanismos de implantación y experiencias devocionales en torno a la traslación de corpisanti entre Roma y la Nueva España (s. XVII-XIX)
El objetivo de este artículo es analizar la traslación, la recepción, el desarrollo y la vigencia devocional de una selección de reliquias de mártires de catacumba romana o corpisanti donados a la Nueva España (hoy México), entre los siglos XVII y XIX: san Ponciano en la Ciudad de México; santa Veneranda en Aguascalientes, Aguascalientes; santa Inocencia en Guadalajara, Jalisco; y, por último, santa Teodora en Xalapa, Veracruz. Tomando como punto de partida los hallazgos documentales ubicados en los fondos archivísticos romanos relativos a las solicitudes y procesos de donación, y las noticias presentes en medios novohispanos como gacetas, impresos devocionales y otros informes, se reconocerán los mecanismos de implantación devocional de dichas reliquias, así como la perspectiva de los comitentes y las necesidades espirituales que provocaron la necesidad de su posesión, los fenómenos sociales suscitados a sus llegadas y, posteriormente, la permanencia, el olvido o la vigencia de sus cultos.
SUMMARY Experimental study of the aesthetic preferences of images from Upper Palaeolithic figurative art.
Aesthetic preferences function as mental frameworks in the choice of graphic representations. In this empirical study, we analysed aesthetic preferences towards prehistoric art in 92 images of Upper Palaeolithic figures: bison, horses and deer from the Franco-Cantabrian axis. All the images chosen are drawn or engraved in an upright and static manner, and most are in profile. A convenience sample of 116 people aged between 18 and 88 participated in the study. Participants responded to the images presented using a computer programme. Specifically, we explored the role played by sociodemographic variables (age and gender) and figure variables (type of animal, degree of naturalism and orientation of the figure) in aesthetic judgement using a binary code (like/dislike) and response time. Our results show that aesthetic preference was higher for representations of bison and deer, with a greater degree of naturalism and colour. Younger people showed a lower overall index for this type of art. No gender differences were observed. Response time was longer for figures with higher aesthetic preference, degree of naturalism and colour.
Copyright (c) 2026 Imanol Amayra, Marcos Díaz-Lago, Manuel Pérez, Román Rodríguez Calleja, Juan María Apellániz (†) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Estudio experimental de las preferencias estéticas de imágenes del arte figurativo del Paleolítico superior
Las preferencias estéticas funcionan como esquemas mentales en la elección de las representaciones gráficas. En el presente estudio empírico se analizó el gusto estético hacia el arte prehistórico de 92 imágenes de figuras del Paleolítico superior: bisontes, caballos y cérvidos procedentes del eje franco-cantábrico. En concreto, se exploró el papel que desempeñan variables sociodemográficas (edad y género) y de la figura (tipo de animal, grado de naturalismo y orientación de la figura) en el juicio estético mediante código binario (me gusta/no me gusta) y tiempo de respuesta. Nuestros resultados muestran que la preferencia estética fue mayor hacia las representaciones de bisontes y cérvidos, con un mayor grado de naturalismo y color. Las personas más jóvenes presentaron un menor índice general hacia este tipo de arte. No se aprecian diferencias de género. El tiempo de respuesta fue mayor en las figuras de mayor preferencia estética, grado de naturalismo y color.
SUMMARY The construction of the sacred in the Jesuit missions of Antigua California: a hermeneutical approach
As part of an investigation into Antigua California, which covers the presence of the Society of Jesus in that region between 1697 and 1768, it is of interest to address the communicative and expressive processes through which the Jesuit missionaries, on the one hand, and the native population, on the other hand, participated in different dynamics of negotiation and confrontation, focused mainly on the interpretation of objects and images considered sacred, as well as their bearers. Starting from a hermeneutic perspective, I seek to characterize collective subjectivity as a central component of social life and a determining element to understand the behavior of such intercultural relations in the context of said area of northwestern New Spain, where an attempt was made to implement the evangelizing strategy of a globalizing corporate vision promoted by the Jesuits within a singular environment, constituted by the ways of life of pre-existing human groups.
Copyright (c) 2026 Leonardo B. Varela Cabral https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La construcción de lo sagrado en las misiones jesuitas de la Antigua California: un enfoque hermenéutico
Como parte de una investigación en torno a la Antigua California, que abarca la presencia de la Compañía de Jesús en esa región entre 1697 y 1768, resulta de interés abordar los procesos comunicativos y expresivos a través de los cuales los misioneros jesuitas, por un lado, y por otro la población nativa, participaron en distintas dinámicas de negociación y confrontación, centradas principalmente en la interpretación de los objetos e imágenes considerados sagrados, así como sus portadores. Partiendo de una perspectiva hermenéutica, se busca caracterizar la subjetividad colectiva como componente central de la vida social y elemento determinante para entender el comportamiento de tales relaciones interculturales en el contexto de dicha zona del noroeste novohispano, donde se trató de implementar la estrategia evangelizadora propia de una visión corporativa globalizante impulsada por los jesuitas dentro de un entorno singular, constituido por las formas de vida de los grupos humanos preexistentes.
RESUMEN De la Pathosformel de Aby Warburg a la Neuroestética. Explorando el Movimiento, el Gesto y la Expresión en la Imagen
Este artículo explora la intersección de las teorías de Aby Warburg sobre el arte, específicamente en lo referente a las representaciones de movimiento, gesto y expresión facial, con la investigación neurocientífica contemporánea. Muchas de las ideas pioneras de Warburg son validadas por estudios en cognición corporizada (embodied cognition), el sistema de neuronas espejo y la neuroestética. Al examinar diversas formas artísticas, el artículo muestra cómo la representación del movimiento, el gesto y la expresión facial activa la percepción visual y desencadena reacciones motoras, sensitivas y emocionales en el cerebro del observador. La respuesta neurofisiológica al arte es investigada utilizando técnicas como la electroencefalografía (EEG) y la resonancia magnética funcional (fMRI), las cuales revelan que la percepción del arte implica una simulación corporizada de los gestos y las emociones representadas. Un objetivo clave es sugerir cómo un enfoque interdisciplinario, que integre la historia del arte con la neurociencia, puede conducir a una comprensión más exhaustiva de las experiencias estéticas. Esta convergencia subraya cómo las dimensiones biológicas y culturales interactúan para moldear nuestra relación con el arte.
Copyright (c) 2026 Margherita Piccichè, Fabrizio Di Giovanni https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY From Preaching Relic to Apologetic Metaimage: The Discursive and Visual Transformation in Saint Luke Painting Our Lady of the Snows by Juan Correa
In the temple of La Profesa in Mexico City, there is a mid-16th century image-relic, believed to be a de visu copy from the Marian icon Salus Populi Romani. This painting was imported from Rome with the arrival of the Jesuits to New Spain, serving as a visual preacher during the evangelization process and establishment of the first colleges. At the end of the 17th century, artist Juan Correa modified its format, incorporating Saint Luke the painter into the composition and thereby creating a metaimage. This modification was driven by shifts in visual culture, Creole apologetic interests within the Society of Jesus, and the artist’s effort to elevate painting as a liberal art. This article examines this discursive and functional transformation through the study of visual rhetoric and the object-circumstance relationship, analyzing how the image evolved in dialogue with its respective spectator society.
Copyright (c) 2026 Alfredo Adolfo Ortega Ordaz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY Reception of Oriental fabrics in Iberian Christian contexts
In the Middle Ages, rich fabrics of Eastern origin were prized by elites in the Iberian Peninsula as a symbol of collective identity and personal status and were preserved for generations. Luxury textiles arrived in Christian territories through several ways. Their transcultural nature favoured the knowledge of decorative codes adopted in the ornamentation of other materials and techniques. They were not perceived as exotic objects but rather were appropriated by elites who appreciated their material and aesthetic qualities, free of religious connotations by valuing them primarily as a sign of luxury and magnificence. Only in some cases did their appropriation represent an act of authority, domination and submission, when they were plundered and taken as spoils of war.
Copyright (c) 2026 Laura Rodríguez Peinado https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2026 Elena Muñoz Gómez, Manuel Herrería Bolado https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2026 Anna Nolte https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
El Cristo yacente del convento de Santa Clara de Palencia
Copyright (c) 2026 Sara Carreño https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Recepción de tejidos orientales en contextos cristianos ibéricos
A lo largo de la Edad Media, en los territorios ibéricos las telas ricas de origen oriental fueron apreciadas por las élites como símbolo de identidad colectiva y estatus personal, conservándose a lo largo de generaciones. No se percibieron como objetos exóticos, sino que se produjo una apropiación por parte de sus receptores que apreciaron sus cualidades matéricas y estéticas, liberándolos de connotaciones religiosas al valorarse fundamentalmente como muestras de lujo y magnificencia. Con su aceptación y asimilación se establecieron con estas piezas relaciones sensoriales donde el color, el brillo, las texturas y la ornamentación seducían y fascinaban como algo maravilloso.
Copyright (c) 2025 Laura Rodríguez Peinado https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
De reliquia predicadora a metaimagen apologética: la transformación discursiva y visual en San Lucas pintando a Nuestra Señora de las Nieves de Juan Correa
En el templo de la Profesa, en Ciudad de México, se ubica una imagen-reliquia, de mediados del siglo XVI, presuntamente copiada de visu del icono mariano Salus Populi Romani. Esta obra fue importada desde Roma con la llegada de los jesuitas a la Nueva España y fungió como predicadora visual durante la evangelización y asentamiento de los primeros colegios. A finales del siglo XVII, el artista Juan Correa modificó el formato y añadió a la composición la representación de san Lucas pintor, creando así una metaimagen. Las causas detrás de esta modificación se relacionan con la transformación de la cultura visual, los intereses apologéticos criollistas de la Compañía de Jesús y la exaltación de la pintura como arte liberal por parte del artista. Este artículo, mediante el estudio de la retórica visual y la relación objeto-circunstancia, explora esta evolución discursiva y funcional, en concordancia con su respectiva sociedad espectadora.
Copyright (c) 2025 Alfredo Adolfo Ortega Ordaz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
From Aby Warburg’s Pathosformel to Neuroaesthetics. Exploring Movement, Gesture and Expression in the Image
This paper explores the intersection of Aby Warburg’s theories on art, and more specifically on the representations of movement, gesture, and facial expression, with contemporary neuroscientific research. Many of Warburg’s pioneering ideas seem to be validated by studies in embodied cognition, mirror neurons system, and neuroaesthetics. By examining various artistic forms, the paper shows how the representation of movement, gesture and facial expression engages visual perception and triggers motor, sensitive and emotional reactions in the brain of the observer. Neurophysiological response to art is investigated through many different electroneuroophysiological and neuroimaging techniques, such as electroencephalography and functional magnetic resonance imaging, revealing that art perception involves an embodied simulation of the depicted gestures and emotions. Another goal of the paper is to suggest how an interdisciplinary approach, integrating art history with neuroscience, may lead to achieving a more comprehensive understanding of aesthetic experiences. This convergence enriches Warburg’s historical insights and highlights how biological and cultural dimensions interact to shape our engagement with art.
Copyright (c) 2025 Margherita Piccichè, Fabrizio Di Giovanni https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
INTRODUCCIÓN Formas de reclamar el cuerpo. Artivismo y feminismo decolonial en América Latina
Copyright (c) 2025 María Isabel Gaviria, Almendra Espinoza Rivera https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
EDITORIAL Körperlichkeit einfordern – Artivismus und dekolonialer Feminismus in Lateinamérika
Copyright (c) 2025 Miriam Oesterreich, Franziska Neff https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Los textiles feministas contra la violencia de género: engramas de memoria, testimonio y afecto
Al calor de las luchas feministas en toda América Latina, ha empezado a cobrar forma un tipo de activismo político que se nutre de diversas expresiones artísticas, como el performance, la música, las artes plásticas, la danza y, entre ellas, también las prácticas de bordado o tejido, en las que se entrecruzan diversas tramas materiales, textuales y simbólicas para la construcción de nuevas lógicas de organización social paralelas a las del sistema heteropatriarcal. Diversos colectivos de mujeres, desde México hasta Argentina, salen de la domesticidad de sus casas para unirse al lema feminista “lo privado es político” y denuncian la violencia de género y feminicida que asola el presente, haciendo uso de prácticas que habían relegado a la mujer durante siglos a la invisibilidad y la obediencia. En este artículo se aborda la reapropiación de esas mismas prácticas con usos estéticos y políticos a partir de tres hipótesis de lectura. Los textiles como artes aplicadas al trabajo de denuncia política: 1. abrevan de formas expresivas y gestuales milenarias, “engramas de memoria” (Aby Warburg 2010) transmitidas e intensificadas mediante su transformación a lo largo del tiempo; 2. se sirven de un código triple, dado por su cualidad tanto textual y figurativa como háptica, abriendo nuevas posibilidades afectivas de conocimiento; y 3. funcionan como un documento testimonial, en los tres sentidos que conoció el género en su desarrollo histórico: por la urgencia de la denuncia que expresa, por su carácter vicario al dar voz a las víctimas y por su carácter autorreferencial y sensible.
Copyright (c) 2025 Karen Saban https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESEÑA Garí, Blanca. El poder del objeto. Materialidad, memoria y representación en la Baja Edad Media europea.
Copyright (c) 2025 María Carrión Longarela https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
ZUSAMMENFASSUNG Zu einer Ästhetik der Prothese: Bild, Feminismus und Dekolonialität
Ist es möglich, den Körper und das Geschlecht als eine Prothese zu betrachten? Unter Berücksichtigung ihrer materiellen und symbolischen Natur funktioniert die Prothese als ein ambivalenter Mechanismus, der fixiert und verbirgt, aber gleichzeitig hinzufügt, ersetzt oder mobilisiert. Die Prothese impliziert körperliche und existenzielle Verstümmelung, in diesem Fall des weiblichen Subjekts, dessen Körper abgetrennt, verwundet und einer sozialen Orthopädie unterworfen wurde. Aus einer dekolonialen Perspektive wird in diesem Artikel analysiert, wie die Bilder, die vom weiblichen Subjekt als einem passiven, stummen Objekt ohne symbolische Selbstrepräsentation konstruiert wurden, wie eine Prothese funktionieren. Diese Bilder wurden fixiert, um ein patriarchales Imaginäres zu verewigen, das bis heute Phantasmen körperlicher, staatlicher und sozialer Kontrolle bedient. Der mobile Charakter der Prothese hinterlässt jedoch eine Lücke, durch die sie neu bezeichnet werden kann. Gerade deshalb ist es interessant zu sehen, wie Bilder aus Aktivismus und sozialem Protest wieder aufgegriffen werden, um ihnen eine kritische Wendung zu geben, bei der es nicht nur zu einer Wiederaneignung des Körpers, sondern auch des Raums kommt, den er bewohnt. In diesem Sinne untersuchen wir die Möglichkeit, eine Ästhetik der Prothese zu konzipieren, die die Bildung von dissidenten Körpern in Betracht zieht und für sich selbst eine neue soziale Praxis des weiblichen Körpers beansprucht. In einem zweiten Schritt sollen die epistemologischen und ethischen Implikationen einer solchen Ästhetik untersucht werden.
Copyright (c) 2025 María Isabel Gaviria https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY Manifiesto: Towards a Decolonial Video about El bembé del amor
The intention of this manifesto is to interrupt the historical flow of the scopic regime, constructed by the aesthetic studies of the ‘modern colonial world system’ (Quijano, 2000) in Europe around the 18th century. From that moment on, a myriad of taxonomies and exclusions developed, in which the experience of the ‘condemned of the earth’ (Fanon 1963) was silenced by allegedly Eurocentric erudition. Film and visual studies have been fundamental in shaping the subjectivity of subjects. In other words, they have become a device for the production of truth. On this basis, the work of the decolonial political process within transmodernity (Dussel, 1994) develops together the visibilisation of other existing worlds as a result of the ontological turn and in resonance with dialogues that have different methodologies for addressing the civilisational crisis that the West has produced, and which today is seriously threatening our very existence.
Copyright (c) 2025 Katia Sepúlveda https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY Feminist Artivisms: Theatricalities for Liberation
The latest feminist Outburst occupies a central place in the struggles for political and micro-political transformation, and has activated a number of artistic collectives around the world that operate transversally, weaving together political-partisan ideologies, aesthetic traditions, and local, national or regional identities. To a large extent, feminist activist groups resort to performance to make their demands visible. According to this, we wander: What does performance offer as a tool to be privileged by these collectives, and is it possible to think of the construction of "feminist theatricalities" as an emerging common language? In an attempt to answer these questions, we will expose three experiences from the Southern Cone: The Colectivo Cueca Sola (Chile), Diez de cada diez (Uruguay), and #Juntas, libres e iguales (Argentina). Once the work of these collectives has been presented, we will inquire into the modes of management, the forms of organization and the logics of care that they deploy with the intention of considering whether it is possible for them to be inscribed in a “theatrical aesthetics of liberation”.
Copyright (c) 2025 Lorena Verzero https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY Opening Cracks in the Darkness: Affections of Memory and Resistance to Denialism in Chile from Cueca Sola Collective’s Feminist Activism
This article addresses the role of cultural activist practices of memory and human rights in Chile, especially in the context of the coup d'état’s 50th anniversary commemorations. Within this context, it highlights the practice of the Cueca Sola Collective, of which both authors are part of, and its most recent actions, Calles caminadas (Streets that have been walked) and 50 años, 50 cuecas solas (50 years, 50 cuecas solas). The article reflects on the complexity of resisting in the face of denialist narratives and the deepening of neoliberalism in the region, especially after the defeat of the Constitutional Project of 2022, the pandemic, the rise of Javier Milei in Argentina, among other milestones that reveal a deep socio-political crisis. The governing political scene in Chile has installed a narrative about memory prolonging that of the concertación’s first governments, marked by a fearful and faint will for justice, which is not only insufficient, but also complicit with impunity. This emphasizes the need to persevere in collective organization and in denouncing state violence, as well as to build new images and possibilities for life, in a dialogue that includes concepts such as patience and urgency from the feminist struggle, as well as the importance of “imágenes-esperanzas” (“images-hopes”) from the cultural resistance.
Copyright (c) 2025 Milena Gallardo Villegas, Tania Medalla Contreras https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY Feminist Textiles Against Gender Violence: Engrams of Memory, Testimony and Affection
In the context of feminist struggles throughout Latin America, there is a form of political activism that has begun to take shape. It is based on diverse artistic expressions, such as performance, music, plastic arts, dance, and, among them, also embroidery or weaving practices, in which diverse material, textual and symbolic wefts are interwoven for the construction of new logics of social organization parallel to those of the heteropatriarchal system. Various women's collectives, from Mexico to Argentina, leave the domesticity of their homes to join the feminist slogan ‘the private is political’ and denounce the gender-based and feminicidal violence that plagues the present, making use of practices that had relegated women for centuries to invisibility and obedience. This article addresses the reappropriation of these same practices with aesthetic and political uses based on three reading hypotheses. These textiles are considered as applied arts to the work of political denunciation because: 1. they draw on millenary expressive and gestural forms, ‘engrams of memory’ (Aby Warburg 2010) transmitted and intensified through their transformation over time; 2. they make use of a triple code, given by their textual, figurative and haptic quality, opening up new affective possibilities of knowledge; and 3. they function as a testimonial document, in the three senses that the genre has known in its historical development: by the urgency of the denunciation it expresses, by its vicarious character in giving voice to the victims, and by its self-referential character.
RESUMO Artivismo feminista: O Pessoal é Político. Arte, Decolonialidade e Novos Imaginários Femininos
Neste artigo, proponho que o artivismo feminista se articula como uma zona de contato entre arte e movimentos sociopolíticos, uma articulação que hoje se expressa com força entre os feminismos latino-americanos. Também argumento que o artivismo feminista deselitiza e quebra as diretrizes coloniais das belas artes, tanto em sua produção teórica quanto em sua práxis artística. As novas propostas estéticas do artivismo feminista nos convidam a usar as plataformas artísticas como forma de denúncia contra a violência colonial, patriarcal e capitalista exercida sobre nossos corpos femininos e racializados. Além disso, o artivismo feminista coloca as artes a serviço das demandas sociais feministas, convocando-nos a desconstruir os imaginários do feminino e a desnaturalizar a violência patriarcal. Neste texto, exponho algumas obras do artivismo feminista para exemplificar algumas de minhas ideias principais. Também, relacionado à exposição “Reclaiming the body: feminism, territory, and community” (Recuperando o corpo: feminismo, território e comunidade), organizada por Un curso propio (2022), um grupo acadêmico-militante ao qual pertenço, apresento brevemente a instalação “Mujer Basura” (Mulher Basura) do coletivo La marcha de las putas BS. AS.
Dekolonisierung und De-Elitisierung der Kunst
Copyright (c) 2025 Almendra Espinoza Rivera https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESUMEN Trabajo de cuidados como trabajo artístico: Polvo de Gallina Negra en el contexto del movimiento feminista de los años 1980 en Ciudad de México
Este artículo analiza la práctica artística de Polvo de Gallina Negra, el primer colectivo artístico feminista de México, estrechamente relacionado con el movimiento feminista de los años 1980. Me centro en su gesto de definir el trabajo maternal como prerrequisito para su trabajo artístico, un movimiento estratégico que critica las distinciones subyacentes entre lo privado y lo público, lo productivo y lo reproductivo, introduciendo al mismo tiempo nuevas estrategias y técnicas en el ámbito del arte. Al desnaturalizar el trabajo de cuidados en su performance Madre por un día (1987), articulan una crítica a los paradigmas subyacentes del arte y el trabajo. Además, su práctica plantea cuestiones relativas a la preocupación de la historia del arte por los movimientos políticos y el arte activista y, como sostengo, exige una expansión metodológica dentro de la disciplina.
Copyright (c) 2025 Tonia Andresen https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Manifiesto: Hacia un video descolonial en El bembé del amor
La intención de este manifiesto es la de interrumpir el flujo histórico del régimen escópico, construido por los estudios estéticos del “sistema mundo moderno colonial” (Quijano 2000) en Europa alrededor del siglo XVIII. Desde ese momento se despliegan un sinfín de taxonomías y exclusiones en donde la experiencia de los “condenados de la tierra” (Fanon 1963) es silenciada por la supuesta erudición eurocéntrica. El cine y los estudios visuales han sido claves para la cooptación de la subjetividad de los sujetos. Es decir se volvió un dispositivo de producción de verdad. A partir de ello la labor del proceso político descolonial dentro de la trans-modernidad (Dussel 1994), desarrolla conjuntamente la visibilización de otros mundos existentes a raíz del giro ontológico y en resonancia con diálogos que poseen diferentes metodologías para abordar la crisis civilizatoria que occidente produjo y, que hoy está en serio riesgo nuestra propia existencia.
Hacia una estética de la prótesis: imagen, feminismo y decolonialidad
¿Es posible pensar el cuerpo y el género como una prótesis? Considerando su naturaleza material y simbólica, la prótesis funciona como un mecanismo ambivalente que fija y oculta, pero que al mismo tiempo añade, reemplaza o moviliza. La prótesis implica la mutilación corporal y existencial, en este caso, del sujeto femenino cuyo cuerpo ha sido cercenado, herido y sometido a una ortopedia social. Desde una perspectiva decolonial, este artículo analiza cómo las imágenes que se han construido del sujeto femenino como un objeto pasivo, mudo, y sin una autorrepresentación simbólica, funcionan a la manera de una prótesis que se han fijado para perpetuar un imaginario patriarcal que hasta la actualidad se sigue valiendo de aquellas imágenes como objeto de control corporal, estatal y social. No obstante, el carácter móvil de la prótesis deja una brecha a través de la que puede resignificarse. Por esta misma razón es interesante contrastar cómo estas imágenes han sido retomadas por el activismo y la protesta social con el fin darles un vuelco crítico en la que hay una reapropiación no solo del cuerpo, sino del espacio que habita. En este sentido se explora la posibilidad y las implicaciones epistemológicas y éticas de plantear una estética de la prótesis en la que se contemple la formación de cuerpos disidentes y se reclame para sí una nueva praxis social del cuerpo femenino.
Artivismos feministas: teatralidades para la liberación
El último estallido feminista ocupa un lugar central en las luchas por la transformación política y micropolítica, y desde su seno se han activado en todo el mundo cantidad de colectivos artísticos que operan transversalmente entretejiendo ideologías político-partidarias, tradiciones estéticas, e identidades locales, nacionales o regionales. En buena medida, los grupos activistas feministas recurren a la performance para visibilizar sus demandas. Ante esto, nos preguntamos ¿Qué ofrece la performance como herramienta para ser privilegiada por estos colectivos? ¿Es posible pensar en la construcción de “teatralidades feministas” como lenguaje común emergente? Para intentar dar respuesta a estas interrogantes, presentaremos tres experiencias del Cono Sur: la del Colectivo Cueca Sola (Chile), Diez de cada diez (Uruguay) y #Juntas, libres e iguales (Argentina). Una vez presentado el trabajo de estos colectivos, indagaremos en los modos de gestión, las formas de organización y las lógicas de cuidados que despliegan con la intención de pensar si es posible que Zse inscriban en una “estética teatral de la liberación”.
Abrir grietas en la oscuridad: afectos de la memoria y resistencias frente al negacionismo en Chile desde el activismo feminista del Colectivo Cueca Sola
Este artículo reflexiona sobre las prácticas culturales activistas de la memoria y los derechos humanos en Chile, especialmente en el contexto de las conmemoraciones de los 50 años del golpe de Estado, a través de dos acciones recientes del Colectivo Cueca Sola, actor relevante en la escena de la memoria del Chile del presente, del cual las autoras son parte desde el inicio de la agrupación. Las intervenciones que se analizarán se titulan: “Calles caminadas” (2022) y “50 años, 50 cuecas solas” (2023). El escenario actual, marcado por la derrota del Proyecto Constituyente en 2022 y la experiencia de la pandemia, presenta desafíos para la transformación social y la confrontación de narrativas negacionistas. La falta de definición clara por parte del Estado chileno ha permitido la proliferación de discursos relativistas y negacionistas, exacerbados por la retórica de superación de la revuelta social de octubre de 2019 y la impunidad frente a violaciones recientes a los derechos humanos. Ante este contexto, el artículo destaca la importancia de buscar referentes, textos, afectos y gestos que alimenten la lucha y permitan la construcción de nuevas imágenes y posibilidades para la vida. La acción política del Colectivo Cueca Sola contra el negacionismo se despliega en distintos ámbitos. Se destaca una política de la insistencia, que busca profundizar la comprensión de las violaciones a los derechos humanos y construir trayectorias de resistencia histórico-políticas, y reconocer las herencias de la resistencia. La construcción de “imágenes- esperanzas” y la necesidad de recomponer los lazos sociales resquebrajados por las políticas dictatoriales se destacan como elementos clave en la lucha contra el negacionismo. Las intervenciones del Colectivo Cueca Sola se caracterizan por desplazamientos estéticos y acciones rituales que buscan activar la memoria colectiva y renovar las fuerzas para la política de la insistencia.
Care Work as Art Work: Polvo de Gallina Negra in the Context of the Feminist Movement in 1980s Mexico-City
This article discusses the artistic practice of Polvo de Gallina Negra, Mexico’s first feminist art collective, which was closely related to the women’s movement in the 1980s. I focus on their gesture of defining maternal work as prerequisite for their artistic work, a strategic move that criticizes the underlying distinctions between private and public, productive and reproductive, thereby introducing new strategies and techniques into the realm of art. Through denaturalizing care work in their performance Madre por un día (Mother for a day) (1987) they articulate a critique of the underlying paradigms of art and labor. Furthermore, their practice poses questions concerning an art historical preoccupation with political movements and activist art and, as I argue, demands a methodological expansion within the discipline.
Feminist Artivism: The Personal is Political. Art, Decoloniality, and New Feminine Imaginaries
In this article I propose that feminist Artivism is articulated as a contact zone between art and socio-political movements, an articulation that today is expressed with particular strength among Latin American feminisms (Lois 2020). I also argue that feminist artivism de-eliticizes and cracks the colonial guidelines of the fine arts (McComarck 2021), both in its theoretical production and in its artistic praxis. The new aesthetic proposals of feminist artivism invite us to use artistic platforms as a form of protest against the colonial, patriarchal and capitalist violence exercised on our feminine and racialized bodies (Moura and Cerdeira 2021). Moreover, feminist artivism places at the service of feminist social demands, inviting us to deconstruct the imaginaries of the feminine and to denaturalize patriarchal violence. In this text I expose some feminist artivist works to exemplify some of my main ideas. Also, related to the exhibition “Reclaiming the body: feminism, territory, and community” organized by Un curso propio (2022), an academic-militant group to which I belong, I briefly present the installation “Mujer Basura” by the collective La marcha de las putas BS. AS.
Rezension: Moreira, Luciana y Doris Wieser, eds. A flor de cuerpo. Representaciones del género y de las disidencias sexo-genéricas en Latinoamérica
Copyright (c) 2025 Leslie-Marie Kritzer https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Rezension: Vidal, Yanina. Tiemblen, las brujas hemos vuelto. Artivismo, teatralidad y performance en el 8M
Copyright (c) 2025 Evelyn Amarillas Amaya https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Colectivo Armadas: Objetos que mujeres ya usaron para autodefensa
Copyright (c) 2025 Alejandra Rojas Guerrero; Miriam Oesterreich https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2025 Miriam Oesterreich; Franziska Neff https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2025 Natalia Martínez Gutiérrez, Aylín Martínez Martínez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Retablo de Santa Teresa, La Soledad, Puebla
Copyright (c) 2025 Isabel González García https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Bartolina Xixa: Ramita Seca. La Colonialidad Permanente
Copyright (c) 2025 Daisy Carolina Fajardo Maya https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2025 Verónica Camarero García https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Rezension/Reseña: Revolutionary Romances. Transkulturelle Kunstgeschichten in der DDR (Albertinum Dresden 2022)
Copyright (c) 2023 Franziska Kaun https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Rezension/Reseña: Wissen über Brücken – Conocimiento sobre Puentes. Relating to Gloria E. Anzaldúa in Words, Vision and Context – Ein kollektives Übersetzungsprojekt
Copyright (c) 2023 Ana María Rodriguez Bisbicus https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Declinación Magnética: Margen de error (¿Cómo se escribe occidental?)
Copyright (c) 2023 Rhea Dehn Tutosaus https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Sor Juanas collective: Intervention on Jorge Marin’s Alas de Mexico (Wings of Mexico)
Copyright (c) 2023 Sara Ibáñez O’Donnell https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Collective Magpie: “Who designs your race?” The Poetic Exploration of Race Survey
Copyright (c) 2023 Corinna Mascharin https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Nabusímake: Memoirs of an Independence (Memorias de una independencia) – directed by Amado Villafaña
Copyright (c) 2023 Adriana Vallejo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Frieder Heinze und Olaf Wegewitz: ǔnaulǔtǔ́. Steinchen im Sand
Copyright (c) 2023 Susanne Mersmann https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Tamiji Kitagawa: Memorial Services at the Cemetery of Tlalpan
Copyright (c) 2023 Sophy Tio https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2023 Kiko del Rosario https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Pruebas de impresión de naipes – Druckvorlagen für mexikanische Spielkarten
Copyright (c) 2023 Tania Román Peillet https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Fachada principal de la iglesia de la Compañía de Jesús – Hauptfassade der Kirche der Gesellschaft Jesu, Arequipa
Copyright (c) 2023 Franziska Neff https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESUMEN Estrategias políticas y artísticas en el Pabellón mexicano en la Exposición del Centenario de la Independencia en Estados Unidos (1876)
El papel de las exposiciones internacionales en la promoción de las ideas de identidad nacional se ha debatido a menudo en la historia del arte y la historiografía de la cultura visual. En la segunda mitad del siglo XIX, existía una idea frenética de nación, en la que los países de América Latina ponían énfasis en sostener el carácter individual de su región haciendo hincapié en su historia y sus tradiciones. Desde una perspectiva transcultural, este ensayo explorará un caso concreto centrándose en las estrategias artísticas y políticas que caracterizaron el pabellón de México en la Exposición del Centenario de Estados Unidos en 1876. Explorará su relativa constitución “periférica” (Filipová 2015) a la luz de agendas culturales específicas. La “periferia” en este contexto se aplica tanto a la autocomprensión política de México con respecto a los Estados Unidos anfitrionas de América como a la forma en que su pabellón figuró espacial y simbólicamente en el despliegue más amplio de la Exposición del Centenario en Filadelfia. Así pues, la “periferia” no sólo se asocia con la marginalidad, sino que se explora como una categoría espacial fundamental en la que las tensiones culturales y étnicas se interrelacionan y se entrelazan de forma productiva. Examinaré la microhistoria de la exposición en relación con las circunstancias locales y globales. Según Mary Louise Pratt, la transculturación se utiliza para describir cómo los grupos subordinados o marginales “seleccionan e inventan a partir del material que les transmite una cultura dominante o metropolitana” (Pratt 1991, 36). De hecho, los procesos transculturales caracterizan tanto la “zona de contacto” como la “frontera colonial” e informan modos particulares de representación. Metodológicamente, centrarse en el “contacto transcultural” enfatiza cómo los sujetos se constituyen en y por sus relaciones mutuas. Trata las relaciones entre colonizadores y colonizados, o viajeros, no en términos de diferencia, sino en términos de copresencia, interacción, comprensiones y prácticas entrelazadas, al tiempo que da cuenta de relaciones de poder a menudo radicalmente asimétricas. Pratt señaló: “Utilizo para referirme al espacio de los encuentros imperiales, el espacio en el que pueblos geográfica e históricamente separados entran en contacto entre sí y establecen relaciones continuas, que suelen implicar condiciones de coerción, desigualdad radical y conflicto irresoluble” (Pratt 1991, 36-37). En este ensayo destacaré la influencia de la exposición mexicana en Filadelfia en 1876, que capitalizó ideas de exotismo y visiones utópicas, además de la exhibición de recursos naturales y la inclusión del arte como elemento importante de la imagen internacional del país. Explicará la participación mexicana de ‘sujetos colonizados’ en la forma en que representaron la idea de una nación moderna y cómo se utilizó para representar y encarnar la transferencia de cultura concebida desde los intereses de la cultura dominante de la metrópoli.
Copyright (c) 2023 Dafne Cruz Porchini, Dafne Cruz Porchini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Artistic and Political Strategies in the Mexican Pavilion, US Centennial Exposition (1876)
The role of international exhibitions in promoting ideas of national identity has often been discussed in art history and visual culture historiography. In the second half of the 19th century, there was a frenzied idea of nationhood, where countries from Latin America put emphasis on sustaining the individual character of their region stressing its history and traditions. From a transcultural perspective, this essay will explore a case in point by focusing on the artistic and political strategies which characterized the Mexican Pavilion at the American Centennial Exposition in 1876. It will explore its relative “peripheral’ constitution (Filipová 2015, 4) with specific cultural agendas. The “periphery” in this context applies to both, Mexico’s political self-understanding vis-à-vis the hosting United Nations of America as well as how its pavilion spatially and symbolically figured in the larger display of the Centennial Exposition in Philadelphia. The “periphery” is thus not only associated with marginality, but explored as a pivotal spatial category in which cultural and ethnic tensions interrelate and further productively entangle. Consequently, I will examine the microhistory of the exhibition in relation with local and global circumstances. According to Mary Louise Pratt, transculturation is used to describe how subordinated or marginal groups “select and invent from material transmitted to them by a dominant or metropolitan culture” (Pratt 1991, 36). In fact, transcultural processes characterize the “contact zone” as well as the “colonial frontier” and inform particular modes of representation. Methodologically, a focus on “transcultural contact” thus emphasizes how subjects get constituted in and by their relations to each other. It treats the relations among colonizers and colonized, or travelers not in terms of difference, but in terms of co-presence, interaction, interlocking understandings and practices, while also accounting for often radically asymmetrical power relations. Pratt pointed out: “I refer to the space of imperial encounters, the space in which peoples geographically and historically separated come into contact with each other and establish ongoing relations, usually involving conditions of coercion, radical inequality, and intractable conflict” (Pratt 1991, 36, 37). In this essay, I will highlight the influence of the Mexican exhibit in Philadelphia in 1876, which capitalized ideas of exoticism and utopian visions, in addition to the display of natural resources and the inclusion of art as an important element of the country’s international image. It will explain the Mexican participation from “colonized subjects” in the way they represented the idea of a modern nation and how it was used to depict and embody the transference of culture conceived from within the interests of the metropolis and dominant culture.
Copyright (c) 2023 Dafne Cruz Porchini https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
ZUSAMMENFASSUNG Temporal-ität im Bild: Der Hurrikan (el temporal) als Chronotop karibischer Kunstgeschichte und Bildpolitik
Hurrikane enthüllen Chronotope, welche die verknüpften Geschichten von Transkulturation, Kolonialismus und Dekolonialität in der Kunst in-/formieren. Dieser Beitrag zeichnet die kulturpolitische Ikonographie nach, die mit dem Auftreten und der Zerstörungskraft von Wirbelstürmen in der karibischen Kunst über Generationen hinweg gewachsen ist. Indem er die longue durée künstlerischer Darstellungen von Hurrikanen mit in den Blick nimmt, zielt er darauf ab, die Möglichkeiten und Grenzen von Kunst und Kunstgeschichte als Mittel der Reaktion auf Klimakatastrophen, einhergehender Reparatur und Prävention im Kontext von Kolonialgeschichte aufzuzeigen. Staatlich geförderte Kunst, die nach meteorologischen Katastrophen produziert wurde, hat historisch gesehen die koloniale „Matrix der Macht“ gestärkt, während moderne und zeitgenössische Künstler und Künstlerinnen die Notwendigkeit dekolonialer Lösungen für anhaltende Ökotraumata andeuten. Die Prozesse und Visualisierungen der Dekolonialisierung lassen sich jedoch, wie der Hurrikan selbst, nicht erst in der Gegenwart beobachten oder nur für die Zukunft vorhersagen. Es finden sich dafür auch historisch viele Hinweise in der visuellen Kultur, Kunst und dem Gesang karibischer Völker. Hurrikane über verschiedene Zeiträumen der karibischen Kunstgeschichte hinweg aufzuspüren, hilft uns, dekoloniale Narrative neu zu denken.
Copyright (c) 2023 Joseph R. Hartman https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESUMEN Visiones Temporales: Huracanes como Cronotopos en Arte y Políticas Culturales del Caribe
Temporal Visions: Hurricanes as Chronotopes in Caribbean Art History
RESUMO Modernidade devorada: Olhando o Antropoceno a partir da proposta Antropofágica de Oswald de Andrade
Certain images produced by nature as a result of ecological disasters and climate crisis challenge our classic representation paradigm based on the separation between nature and culture. At the same time, these contemporary images, evoke a complex temporality of an apocalyptic future arriving sooner than expected and a colonial past that never seizes to violently consume natural resources. This paper proposes to revisit the Brazilian 1928 Anthropophagic Manifest, one of Latin America’s founding epistemologies according to Boaventura Souza Santos, as an aesthetic, philosophical and pragmatical proposal capable of providing tools to address our present crisis and these challenging images of the Anthropocene. How can a cannibalistic (indigenous) past set the grounds for creative invention and anti-colonial art? How can this transcultural use of indigenous philosophy help us find tools not only to frame these images of the Anthropocene, but above all, offer possibilities of surviving the “end of the world”?
Copyright (c) 2023 Roberto Robalinho https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Modernity devoured: Re-viewing the Anthropocene with Oswald de Andrade’s concept of anthropophagy
RESUMEN Los dibujos del Cacique de Turmequé. Reclamar justicia en un contexto colonial
El hijo de un conquistador español con la hermana del cacique de Turmequé, Diego de Torres (Tunja 1549 - Madrid 1590) es conocido por sus denuncias sobre la corrupción de los funcionarios de la Corona española en el Nuevo Reino de Granada (que corresponde aprox- imadamente a la actual Colombia) y su trato a la población indígena muisca, así como por su reivindicación del cacicazgo de Turmequé. Clasificado como pueblo de indios según la organización territorial española de la región, Turmequé dependía de la jurisdicción de Tunja, importante centro artístico, cuya propia imagen como ciudad española se estaba construyendo en la segunda mitad del siglo XVI. Educado en Tunja, primero en un colegio de mestizos y luego con los dominicos, Diego de Torres pertenecía a una particular élite colonial que ocupaba espacios simultáneamente en las sociedades española y muisca, pero que no pertenecía del todo a ninguna de ellas. Aunque la documentación relativa a sus quejas y viajes a España ha sido abordada tanto en estudios literarios como jurídicos, los dibujos que realizó junto a su memorial de agravios no han recibido suficiente atención. Además de dos mapas de la región analizados por Tom Cummins y Joanne Rappaport como parte de la alfabetización impuesta a los indígenas de los Andes, se destaca por su combinación de géneros y estilo el dibujo de una escena fúnebre que representa al hermano de Diego de Torres (Pedro de la Torre) en su lecho de muerte rodeado de familiares y amigos. Este artículo explora el funcionamiento retórico de estos dibujos, que a su vez reflejan la lucha de mestizos cuyas identidades estaban en constante cambio y atrapadas en una encrucijada.
Copyright (c) 2023 Patricia https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
The Drawings of the Cacique de Turmequé: Reclaiming Justice in a Colonial Context
The son of a Spanish conquistador with the sister of the chieftain of Turmequé, Diego de Tor- res (Tunja 1549 – Madrid 1590) is known for his complaints about the corruption of the officials of the Spanish Crown in the Kingdom of New Granada (which corresponds roughly to mod- ern-day Colombia) and their treatment of the indigenous Muisca population, as well as for his claim to the chiefdom of Turmequé. Classified as a pueblo de indios according to the Spanish territorial organization of the region, Turmequé depended on the jurisdiction of Tunja, a major artistic center, whose own image as a Spanish city was being constructed in the second halfof the sixteenth century. Educated in Tunja, first at the school for mestizos and then at the Do- minican convent, Diego de Torres belonged to a particular colonial elite that occupied spaces simultaneously in both the Spanish and Muisca societies but did not entirely belong to either one. Although the documentation regarding his complaints and travels to Spain has been ap- proached both in literary and legal studies, the drawings that he produced alongside his me- morial de agravios have not received sufficient attention. In addition to two perspectival maps of the region which have been analyzed by Tom Cummins and Joanne Rappaport as part of the literacy imposed onto indigenous people of the Andes, a full-page drawing of a funerary scene representing Diego de Torres’s brother (Pedro de la Torre) on his death bed surrounded by family members and friends stands out for its combination of genres and style. This paper explores the ways in which these drawings functioned as rhetorical strategies that also reflect the struggle of mestizos whose identities were constantly in flux and caught at a crossroads.
RESUMEN Los glifos de los amantecas. Escritura y arte plumario en el Códice Florentino
Este artículo propone una lectura para todos los glifos incertos en las imágenes que acom-pañan el capítulo 21 del libro IX del Códice Florentino, siguiendo el trabajo de desciframiento iniciado por Frances Berdan (2015). Estas imágenes representan el proceso de trabajo de plumaria a principios del período colonial, expresando los nombres de los materiales uti-lizados por los artistas de la pluma o amanteca, sus propiedades, así como las acciones implicadas en la fabricación de sus obras de arte. El análisis de estos glifos demuestra que constituyen una especie de “manual de instrucciones”, y posiblemente una de las formas de transmisión del arte y la artesanía entre los indígenas de México durante el siglo XVI, época de fuerte transculturación. El análisis también revela cómo los enfoques estrictamente fonocéntricos de la gramatología son insuficientes para abordar la complejidad de la escritura azteca y para comprender sus posibilidades comunicativas. En su lugar, proponemos que en estas páginas, las imágenes funcionan junto con los glifos logosilábicos, codificando ‘textos incorporados’, como los define Janet Berlo (1983), textos que tenían cierto grado de indepen-dencia de los escritos en español e incluso de los en náhuatl alfabético, por lo que pueden considerarse como verdaderas pictografías, textos indígenas con el potencial de descolonizar nuestra idea de escritura.
Copyright (c) 2023 Alonso Rodrigo Zamora Corona, Sanja https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
EDITORIAL Dekoloniale Theorie, Transkulturation und lateinamerikanische Positionen. Verwobene Kunstgeschichten
Copyright (c) 2023 Miriam Oesterreich, Franziska Koch; Franziska Neff https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Amantecayotl Glyphs Revisited: Writing and Featherworking in the Florentine Codex
This article proposes a reading for all the glyphs infixed in the images which accompany the twenty-first chapter of Book 9 of the Florentine Codex, following the decipherment work initiated by Frances Berdan (2015). These images depict the process of featherworking during the early colonial period, expressing the names of the materials used by the feather artists or amanteca, their properties, as well as the actions involved in the manufacture of their artworks. The analysis of these glyphs shows that they constitute a sort of technical ‘instruction manual’, and possibly corresponded to one of the ways in which arts and crafts were transmitted among the indigenous people of Mexico during the sixteenth century, an era of strong transculturation. The analysis also reveals how strict phonocentric approaches in grammatology are insufficient to tackle the complexity of Aztec writing and to understand its communicative possibilities. Instead, we propose that, in these pages, images work together with logosyllabic glyphs, codifying ‘embedded texts’, as defined by Janet Berlo (1983), texts which had a degree of independence from those written in Spanish and even alphabetic Nahuatl, and hence can be considered as true pictographies, indigenous texts with the potential to decolonise our idea of writing.
Copyright (c) 2023 Alonso Rodrigo Zamora Corona , Sanja Savkic Sebek https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Trajes de religiosas de los conventos de México, de los colegios y recogimientos / Nonnentrachten der Klöster von Mexiko-Stadt, der Schulen und recogimientos
Copyright (c) 2022 Alejandra Mayela Flores Enríquez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Los desposorios místicos de Cristo y un alma / Mysthische Hochzeit Christi und einer Seele
Copyright (c) 2022 Brianna Cano Díaz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Arcángel Asiel Timor Dei / Erzengel Asiel Timor Dei
Copyright (c) 2022 Isabel González García https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2022 Hatvida-Mirhunisa Midzic https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Figurilla-Sonaja Maya / Maya-Rasselfigur
Copyright (c) 2022 Mónica Pacheco Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
ABSTRACT: Pintados por sí mismos. Visualizaciones de modas en las colecciones americanas de tipos nacionales desde una perspectiva transatlántica
Der Beitrag befasst sich mit Visualisierungen von Kleidung Mitte des 19. Jahrhunderts in den Skizzensammlungen Los Cubanos pintados por sí mismos, Los Mexicanos pintados por sí mismos und Los Españoles pintados por sí mismos. Dies geschieht unter dem Aspekt, inwieweit sich eine Ausrichtung an bzw. eine Abgrenzung von europäischen Vorbildern erkennen lässt und inwiefern diese Darstellungsform dazu genutzt wurde, im Zuge der Unabhängigkeitsbestrebungen und der damit verbundenen Suche neuer, postkolonialer Identitäten eigene ‚Typen‘ zu kreieren. Dazu wird zunächst ausgeführt, wie nationale Skizzensammlungen anfangs in Europa und später in Hispanoamerika zu einem populären Medium der Selbstdarstellung wurden. Anschließend wird anhand der visuellen Repräsentation ausgewählter nationaler ‚Typen‘ herausgestellt, welche Gemeinsamkeiten und Unterschiede es zwischen den spanischen, kubanischen und mexikanischen Skizzensammlungen gab. Insgesamt möchte diese Untersuchung damit unter transatlantischer Perspektive einen Beitrag zur Geschichte der Bekleidung in den Amérikas in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts leisten.
Copyright (c) 2022 Florian Grafl https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Pintados por sí mismos. Visualisierungen von Moden in hispanoamerikanischen Skizzensammlungen unter transatlantischer Perspektive
SUMMARY: Binary fashions and symbolic garments in Mexico: the túnico and femininity. 1805 -1826
In the 19th century, the binary gender system was consolidated in Western societies, in which both, the masculine and the feminine had defined functions and representations. This work focuses on the analysis of the feminine through the fashion of the túnico, with the purpose of observing the daily life, the identity and the idiosincrasy of the middle and well-off female sectors, through the lens of the press and literature of the time: criticism, ridicule or praise. The fashion came from France and Spain and was inspired by Greco-Roman art, but what interests here is its use, its versions and the interpretations that occurred in Mexico (New Spain), in relation to tradition and modernity. Modesty, concealment, exhibitionism, seduction and beauty, as categories linked to the female body in relation with the túnico dress fashion also occupy a relevant attention.
Copyright (c) 2022 Atzín Julieta Pérez Monroy https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Modas binarias y prendas simbólicas en México: el túnico y la feminidad. 1805 - 1826
SUMMARY: The Virgin of Remedies of Cholula: Symbolic and Performative Relationships between Figure and Votive Dresses
The main purpose of this paper is to explore how the superimposed dresses, jewels and ornaments of the cult image of Our Lady of Remedy of Cholula functioned as symbolic elements in its iconography. In addition, an attempt is made to analyse its different uses in the construction of identity imaginaries in the rhetoric of the conquest and foundation in New Spain, especially the way it is represented in the Map of Cuauhtlantzinco. Also, dresses and ornaments played an essential role in ensuring that the vera efigie, through its “true portraits”, was recognized and venerated by the devotees. The clothes given by donors was a way of bonding affectively with the image through performative practices, for example, in the dressing ceremony, the patron saint festivities and prayer processions.
Copyright (c) 2022 Rosa Denise Fallena Montaño https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La Virgen de los Remedios de Cholula: Relaciones simbólicas y performativas entre figura y atuendo
SUMMARY: Bodies, Fashion, and Gender in the Viceroyalty of New Granada: The Pollera and the Faldellín
The constant comparison of fashion in the Spanish American colonies with their European counterparts has resulted in a simplified narration of a more complex phenomenon that responds to the necessities, ideologies, and shared anxieties of the context where it emerges. Although colonial Spanish American fashions cannot be disintegrated from their European counterparts, they did acquire a local character that responded to the confluence of social, political, economic, and cultural factors that arose with the Spanish invasion of the Americas. Based on the analysis of the pollera and the faldellín, this essay focuses on the particularities of fashion in the Viceroyalty of New Granada during the second half of the eighteenth century. Through the study of visual sources, archival documents, and chronicles, I argue that the preference for these garments reveals conceptions about the body, fashion, and gender that are specific to New Granada.
Copyright (c) 2022 Laura Beltrán-Rubio https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Cuerpos, moda y género en el Virreinato de la Nueva Granada. Un estudio a partir de la pollera y el faldellín
Editorial. Körper/Moden in den Amérikas 1 - Cuerpos/modas en las Américas 1
Copyright (c) 2022 Miriam Oesterreich, Franziska Neff https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Editorial: Körper/Moden in den Amérikas 2 - Cuerpos/modas en las Américas 2
RESUMEN: Momias y maniquís: Elena Izcue, Diseño Peruano Moderno y Moda Parisina
La artista y diseñadora Elena Izcue conoció los objetos precolombinos como parte de su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lima en la década de 1920. Estimulada por la nueva actividad arqueológica en la región, su acceso a estas colecciones y su trabajo artístico resultante coincidieron con el creciente reconocimiento nacional de la relevancia de la historia precolombina para la identidad peruana moderna. En 1927 Izcue consiguió el patrocinio del gobierno para trasladarse a París y continuar sus estudios de diseño textil. Este artículo examinará los distintos contextos en los que se expuso la obra de Izcue en París y Nueva York entre 1927 y 1939. Desde los grandes almacenes, las exposiciones y los medios de comunicación de la moda, destaca también la participación de la artista en los pabellones nacionales de Perú en las exposiciones mundiales en estas ciudades. Además, sus innovaciones en el diseño le llevarían a colaborar con el House of Worth y Elsa Schiaperelli. El análisis de los textiles y prendas de Izcue, producidos y expuestos en estos contextos transnacionales, indica un factor desconcertante en relación a la historiografía del modernismo. Los motivos apropiados en las colaboraciones de moda de Izcue fueron alabados por sus cualidades formales y dieron prestigio a sus colaboradores europeos. Sin embargo, la propia obra de Izcue solía exhibirse junto con artefactos precolombinos y trajes tradicionales, lo que vinculaba su práctica a una nacionalidad construida. El replanteamiento crítico de estas prácticas expositivas proporciona un estudio de caso metodológico para derribar las narrativas históricamente binarias del modernismo que privilegian lo universal sobre lo nacional, señalando en cambio la trayectoria global y la continua relevancia de la obra de Izcue.
Copyright (c) 2022 Alida R. Jekabson https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESUMEN: Poner a las memorias en movimiento: Pañuelos bordados para las personas muertas y desaparecidas en México
En este artículo, profundizo en la aptitud para moverse y conmover de un conjunto de pañuelos que conmemoran a las víctimas de la llamada guerra contra el narcotráfico en México. Propongo que la centralidad del tacto que caracteriza el bordado a mano, junto con el contacto íntimo que hay entre las telas y la piel permitieron a quienes bordaron estos pañuelos fortalecer sus vínculos afectivos con sus seres queridos desaparecidos, o bien, desarrollar algún tipo de conexión empática con personas a quienes no necesariamente conocían o conocieron. Finalmente, planteo la posibilidad de concebir estos bordados como una expresión de la acción no violenta de consuelo, entendida por José Guadalupe Sánchez Suárez como el “acercamiento entrañable” y cuerpo a cuerpo motivado por la conexión amorosa que surge ante la expresión abierta del dolor.
Copyright (c) 2022 Katia Olalde https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESUMEN: Bajo la Segunda Piel. Tejidos y Cuerpos Mayas en el Arte de Manuel Tzoc Bucup y Sandra Monterroso
El presente artículo explora concepciones del cuerpo Mayas, accesibles a través de experiencias cotidianas en la Guatemala actual, en donde también se ven confrontadas por prácticas (neo)coloniales. Lo hace a partir de – y en conversación con – dos artistas contemporáneos/as que a la hora de abordar su herencia femenina y Maya coleccionan, modifican y exhiben tejidos “tradicionales”. En la performance Piel (2016), el traje de cuerpo completo de Manuel Tzoc activa un concepto central en la así llamada hermenéutica Maya: el tejido como segunda piel. Por su parte, Sandra Monterroso enrolla varios tejidos para formar una columna en Columna Vertebral (2012-2017). Semejante a las estelas prehispánicas, la instalación conserva saberes imposibles de "descifrar" del todo. Partiendo de la superficie del cuerpo (Piel) hacia la idea de su interioridad (Columna Vertebral), elaboro un entendimiento situado de una relación material y carnal entre cuerpos, sujetos y textiles, que tiene el potencial de transmisión de conocimiento y memoria, pero que no puede ser entendida únicamente en términos de representación o semióticos, por ejemplo a través del lenguaje.
Copyright (c) 2022 Sebastián Eduardo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
SUMMARY: Between Indigenous Tradition and the Imported in Oaxaca - Appropriation and Simulacrum
This essay problematizes the practice of commerce of “non proper” clothes by Indigenous vendors to tourists and visitors in the capital of Oaxaca, Mexico, who are interested in acquiring something with an Indigenous value. These dynamics force us to rethink the notions of originality and authenticity, as well as appropriation-expropriation of elements from other cultural traditions, although probably these had already been taken by other agents before, erasing their origin. However, the objective of this analysis is to discuss about the implications that the appropriation of exogenous products has into the self-determination of the traditional groups that offers them as their own. In order to produce an answer the different of commerce in Oaxaca City are exemplified and the idea of appropriation is explored, as well as other issues related with the image, clothing and appearance, that refer to the process of spectacularisation-commerce of the indigenous identity, said as singular even when inside the reality of Oaxaca, they’re multiple, put on the appearance of the indigenous woman. It is concluded by identifying the practice of appropriation where the goal is to have products to sold above all, while also distinguishing the possibility of a cultural enrichment and of favouring the process of empowerment, when their use goes beyond the frontier of outside-inside, introducing the “proper” into the world of the everyday life.
Copyright (c) 2022 Israel Gutiérrez Barrios https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Demanding a Change of Perspectives. Review of the 11th Berlin Biennale
Copyright (c) 2022 Hannah Grimmer https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Koyoltzintli Miranda Rivadeneira – Tryptich of White Clay Woman
Copyright (c) 2022 Jennifer Wright https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Ana Mendieta – Untitled (Facial Hair Transplants)
Copyright (c) 2022 Karolin Ludwig https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESUMEN: (After) The Inca Experience: Testimonios textiles del arte contemporáneo
El artículo se enfoca tanto en la recepción de las técnicas textiles americanas en el arte contemporáneo como en la conexión de las culturas indígenas con aspectos del turismo, la mercantilización y la comercialización. El creciente interés surgido desde finales del siglo XIX por el arte textil de las Américas, supuestamente pre-colonial, a raíz de nuevas excavaciones arqueológicas y de los descubrimientos que éstas produjeron, puede rastrearse como un hilo rojo en el arte moderno y contemporáneo. El artículo refleja este interés por parte de los artistas; lo examina a partir de sus obras, en busca de influencias y procesos de intercambio y analiza el textil como portador y medio de discursos de autentificación. Para ello, se toman como ejemplo las obras textiles del artista boliviano Andrés Pereira Paz (*1986), en las que hace referencia explícita a las tradiciones textiles y a la historia del arte americano. Estas tradiciones no son simplemente adoptadas, sino reconstruidas y recontextualizadas: junto a aspectos como el turismo, los souvenirs y la cultura pop, se incluyen al racismo y la apropiación como temas igualmente determinantes para la recepción de las técnicas textiles.
Copyright (c) 2022 Franciska Nowel Camino https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Ricardo Espinoza Monsiváis – Escapulario - Skapulier
Copyright (c) 2022 Alma Leticia Saucedo Villegas https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Jorge Eduardo Eielson – El Cuerpo de Giulia-no
Maria Chabot – Georgia O’Keeffe at the Black Place
Copyright (c) 2022 Natália Bezerra Zerbato https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
RESUMEN: Tejidos urbanos de Joaquín Torres García: Moldeando el cuerpo en Nueva York, 1920-1922
En 1919, el artista uruguayo Torres García se mudó de Barcelona a Nueva York. En los trabajos experimentales que produjo durante su estancia de dos años en la ciudad, el artista presentó a Nueva York y a los cuerpos que lo habitaban, como inseparables uno del otro y definidos mutuamente, enredados en el mismo tejido urbano. Particularmente lo hizo a través de las referencias a la moda, representado los artículos de vestir de los neoyorquinos como extensiones de la morfología de la ciudad. Basándose en las funciones sociales de las telas, Torres García conectó superficies corpóreas y arquitectónicas para gestionar su ambivalencia hacia las demandas de la sociedad capitalista de Nueva York en sus habitantes. Este artículo investiga la constante oscilación del artista entre adherirse y desestabilizar el conformismo y mecanización que atribuía a los neoyorquinos. Yo sostengo que, a través de sus intervenciones en el campo de la moda, Torres García gestionó el potencial de los individuos urbanos para, ya sea, adherirse a los ritmos y estilos de vida impuestos por la ciudad, o resistir al jugar con los signos socio-económicos y la diversidad de identidades. También muestro, que esta tensión sin resolver resuena en los escritos de Torres García correspondientes a esta época, esclareciendo la relación conflictiva del artista con la ciudad.
Copyright (c) 2022 Francesca Ferrari https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Copyright (c) 2022 José Martín Carreño Mendoza https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Beneath the second skin. Mayan Textiles and Bodies in the Art of Manuel Tzoc Bucup and Sandra Monterroso
Starting – and in conversation – with two contemporary artists who collect, modify, and display ‘traditionally’ woven textiles while dealing with their female, Mayan heritages, this article approaches pre-hispanic body concepts accessed through everyday experiences and met by (neo-)colonial practices in today’s Guatemala. For the performance Piel (2016), Manuel Tzoc’s full-body suit acts out a central concept in so-called Mayan hermeneutics: that of textile as the body’s second skin. In Columna Vertebral (2012-2017), Sandra Monterroso rolls up various textiles together to form a column. Resembling pre-hispanic stelae, the installation preserves saberes (knowledges/wisdom) impossible to ‘decipher’ fully. Moving from the body’s surface (Piel: skin) to the idea of its interiority (Columna Vertebral: spinal column), I offer a situated understanding of the material, fleshly relation between bodies, subjects and textiles, that has the potential of knowledge and memory transmission, and that cannot be understood solely in representational or semiotic terms, for instance through language.
Putting Memories in Motion: Embroidered Handkerchiefs for the Dead and the Disappeared in Mexico
In this article, I inquire into the moving quality of a set of embroidered handkerchiefs commemorating the victims of the so-called war on drugs in Mexico. These handkerchiefs were stitched within the framework of the Embroidering for Peace and Memory Initiative, a collaborative project developed by a group of cultural activists in Mexico City in June 2011. I posit that the centrality of touch which characterizes hand embroidery together with the intimate contact between cloth and skin enabled the needleworkers either to nurture their affective bonds with their missing loved ones or to develop a sense of empathic connection with people they did not know. Finally, I propose to conceive these embroidered handkerchiefs as an expression of the nonviolent action of consolation, which José Guadalupe Sánchez Suárez understands as the endearing and bodily approach prompted by the loving connection arising in the face of an open expression of pain.
Entre lo tradicional indígena y lo importado en Oaxaca – Juegos de apropiación y simulacro para la otredad
Este trabajo problematiza la práctica de venta de prendas de vestir “no propias” en origen por vendedoras indígenas a visitantes y turistas en la capital de Oaxaca, México, interesados en adquirir algo de indigenidad. Estas dinámicas obligan rep- ensar las nociones de originalidad y autenticidad, así como de apropiación-expro- piación de elementos de otras tradiciones culturales, aunque quizás esos ya han sido tomados por otros agentes anteriormente borrando su origen. Sin embargo, lo pretendido en este análisis es discurrir en torno a las implicaciones que tiene la ap- ropiación de los productos exógeno para la autodeterminación del grupo tradicional que lo ofrece como suyo. Para contestar se ejemplifican las distintas modalidades de venta en la ciudad de Oaxaca y se explora la idea de apropiación, así como otros asuntos relacionados con imagen, vestimenta y apariencia, mismos que refieren al proceso de espectacularización-mercantilización de la identidad indígena, una en singular, aunque en la realidad oaxaqueña sea múltiple, depositada en la apariencia de la mujer indígena. Se concluye identificando prácticas de apropiación donde la finalidad es sobre todo contar con productos para ser vendidos, así mismo distin- guiendo la posibilidad de enriquecimiento cultural y de favorecimiento a procesos de empoderamiento, cuando su uso rebasara la frontera fuera-dentro introduciendo “lo apropiado” plenamente al mundo de la vida cotidiana comunitaria.
(After) The Inca Experience: Textile Zeugnisse der Gegenwartskunst
Der Artikel widmet sich der Rezeption amerikánischer Textiltechniken in der Gegenwartskunst und geht der Verbindung indigener Kulturen mit Aspekten von (Massen-)Tourismus, Kommodifizierung und Kommerzialisierung nach. Das seit dem ausgehenden 19. Jahrhundert wachsende Interesse an indigener, vermeintlich präkolonialer Textilkunst der Amérikas, stets anschließend an neue archäologische Ausgrabungen und die dadurch hervorgebrachten Erkenntnisse, lässt sich wie ein roter Faden in der Kunst der Moderne und Gegenwart nachverfolgen. Der Artikel nimmt dieses Interesse von Seiten der Künstler*innen auf, untersucht es anhand ihrer Arbeiten auf Einflüsse sowie Austauschprozesse und diskutiert das Textil als Träger und Medium von Authentifizierungsdiskursen. Als exemplarische Beispiele dienen Textilarbeiten des bolivianischen Künstlers Andrés Pereira Paz (*1986), in denen er ausdrücklich Bezug auf amerikánische Textiltraditionen sowie die Kunstgeschichte nimmt. Diese Traditionen werden dabei nicht einfach übernommen, sondern rekonstruiert und neu kontextualisiert: Neben Aspekten wie Tourismus, Souvenir und Popkultur sind ebenso Themen wie Rassismus sowie Aneignung ausschlaggebend für die Rezeption der Textiltechniken.
Joaquín Torres-García’s Urban Fabrics: Fashioning the Body in New York, 1920-1922
In 1919, the Uruguayan artist Torres-García moved from Barcelona to New York. In the experimental works that he produced during his two-year stay in the city, the artist presented New York and the bodies inhabiting it as inextricable from one another and mutually defining, enmeshed within the same urban fabric. He did so especially through references to fashion, depicting the articles of clothing worn by New Yorkers as extensions of the city’s morphology. By drawing upon the social functions of actual fabrics, Torres-García connected bodily and architectural surfaces to negotiate his ambivalence towards the demands of New York’s capitalist society on its denizens. This article investigates the artist’s constant oscillation between adhering to and undermining the conformity and mechanization that he attributed to New Yorkers. I argue that, through his interventions into the realm of fashion, Torres-García negotiated the urban individual’s potential to either adhere to the rhythms and lifestyles imposed by the city or resist them by playing with socio-economic signs and multiple identities. I show that this unresolved tension echoes with Torres-García’s writings from this period, illuminating the artist’s conflicted relationship with the city.
Mummies and Mannequins: Elena Izcue, Peruvian Design and Paris Fashion
Artist and designer Elena Izcue first encountered pre-Columbian objects as part of her training in the 1920s at the Escuela Nacional de Bellas Artes in Lima. Spurred by new archaeological activity in the region, her access to these collections and resulting work in the arts parallelled a growing national recognition of the relevance of pre-Columbian history to a modern Peruvian identity. In 1927 Izcue sectured government sponsorship to move to Paris to continue her studies in textile design. This argument will examine varying contexts for the display of Izcue’s work in Paris and New York between 1927 and 1939. Ranging from department stores, exhibitions and fashion media, also notable is the artist’s involvement in Peruvian national pavilions at world expsitions in these cities. Additionally, her innovations in design would lead to collaborations with the House of Worth and Elsa Schiaperelli. Examining Izcue’s textiles and garments produced and displayed in these transnational contexts indicates a troubling factor in the historiography of modernism. Appropriated motifs in Izcue’s fashion collaborations were praised for their formal qualities and lent prestige to her European collaborators. However, Izcue’s own work was usually displayed in tandem with Pre-Columbian artifacts and traditional dress, inherently binding her practice to a constructed nationality. Critically reframing these display practices provides a case study in methods to collapse historically binary narratives of modernism that privilege the universal over national, instead pointing to the global trajectory and continued relevance of Izcue’s work.
Apokalyptische Immaculata (Jungfrau von Quito) / Inmaculada Apocalíptica (Virgen de Quito)